Dans certains concerts, il n’y a plus de frontière entre la musique et la vie. Le bruit d’un moteur qui ronfle devient une basse hypnotique. Une aubergine frappée avec les doigts produit une percussion organique. Un pilon, une calebasse remplie d’eau, un souffle, un cri, un frottement métallique : tout peut devenir musique. Une nouvelle génération d’artistes africains et afro-descendants est en train de faire naître un courant musical où l’improvisation dépasse les cadres classiques du jazz pour devenir une exploration totale du son, de la matière et de l’émotion.

Ce ne sont plus seulement des musiciens. Ce sont des chercheurs, des explorateurs, des contaminateurs sonores.

À travers leurs performances expérimentales, ils transforment leurs émotions en paysages acoustiques. Ils inventent un langage où les objets du quotidien deviennent des instruments et où l’improvisation n’est plus seulement une technique de jazz mais une philosophie artistique. Leur démarche repose sur une idée simple : tout est musique.

Parmi les figures les plus fascinantes de ce mouvement figure Oswald Kouamé, né le 28 août 1983 à Abidjan. Surnommé « l’extraterrestre de la percussion », il est l’un des pionniers de cette révolution sonore. Très tôt, il apprend à créer des rythmes à partir des éléments de la nature. Chez lui, le son ne se limite pas aux instruments conventionnels. Le moteur d’une machine, le bois frappé, les vibrations d’un objet abandonné ou les pulsations urbaines deviennent matière musicale.

Diplômé en musicologie de l’Institut National des Arts et de l’Action Culturelle, Oswald Kouamé développe des concepts novateurs comme le Saket Jazz, fusion entre les cultures africaines et asiatiques, ou encore le Nzasam, une esthétique musicale ouverte sur toutes les formes de contamination artistique. Installé au Japon, où il enseigne dans plusieurs écoles, il est devenu un pont culturel entre l’Afrique et l’Asie. Son concept « Tout est musique » résume parfaitement cette nouvelle école du jazz expérimental : écouter le monde autrement.

Dans cette même constellation artistique brille Dudù Kouate, percussionniste et multi-instrumentiste sénégalais né en 1963. Basé en Italie depuis de nombreuses années, Dudù Kouate parle de son travail comme d’une « recherche du son des éléments ». Son univers sonore est une forêt vivante où dialoguent le djembé, les flûtes panafricaines, le xalam berbère, le didgeridoo australien et les célèbres calebasses à eau dont il tire des vibrations presque mystiques.

Avec ses concerts expérimentaux, Dudù Kouate donne l’impression de convoquer les forces invisibles de la nature. Chaque objet devient une source de résonance. Chaque performance ressemble à un rituel contemporain où les traditions africaines rencontrent le jazz d’avant-garde et les musiques du monde. Son album Africation illustre cette volonté de fusionner les héritages culturels pour créer une musique sans frontières.

Plus jeune mais déjà incontournable, Abel Selaocoe, né en 1992 en Afrique du Sud, pousse encore plus loin cette liberté créatrice. Virtuose du violoncelle, il mêle la rigueur classique occidentale aux chants traditionnels sud-africains inspirés du peuple Xhosa. Chez lui, le violoncelle cesse d’être un simple instrument classique : il devient percussion, voix, souffle et mémoire ancestrale.

Sa musique traverse les suites classiques, les rythmes des townships, les chants sacrés et les harmonies contemporaines. Abel Selaocoe incarne une nouvelle génération d’artistes capables de réinventer les traditions africaines tout en dialoguant avec les scènes expérimentales du jazz mondial. Son intégration à l’univers de l’Art Ensemble of Chicago confirme cette appartenance à une avant-garde musicale internationale.

Ce courant artistique n’a pas encore de nom officiel. Certains parlent d’« afro-jazz expérimental », d’autres de « jazz organique » ou de « musique des éléments ». Mais au fond, peu importe l’étiquette. Ce qui unit ces artistes, c’est leur manière de transformer l’émotion en laboratoire sonore.

Ils refusent les limites.

Ils improvisent avec le réel.

Ils contaminent le jazz avec les bruits du monde.

Et dans cette contamination créative naît une musique nouvelle : libre, instinctive, spirituelle et profondément africaine.

Ces artistes ne jouent pas seulement des notes. Ils réinventent notre façon d’écouter.

ALEX KIPRE

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Élève à Cocody, d’abord à Sainte-Thérèse d’Avila puis au Lycée Sainte-Marie, elle grandit dans un univers où la discipline scolaire côtoie déjà une forte sensibilité artistique. Bien avant la voix, ce sont les instruments qui l’appellent. À seulement sept ans, elle entre au conservatoire et y apprend le piano jusqu’à l’âge de seize ans. Une formation classique qui façonnera son écoute, son rapport à l’harmonie et cette élégance musicale perceptible aujourd’hui dans chacune de ses interprétations.

Mais la voix, la vraie, se révélera plus tard, loin d’Abidjan. Au Chili, en Amérique du Sud, Nouss Bih découvre d’autres couleurs musicales : la bossa nova, les rythmes feutrés, les mélodies suspendues. Peu à peu, elle façonne son timbre, expérimente la soul, le slow et affine une manière très personnelle d’habiter les chansons.

Cette construction artistique se fait pourtant par intermittence. Car en parallèle, Nouss Bih évolue dans un tout autre univers : celui de la finance et des fonds d’accompagnement dédiés aux PME. Une double vie entre rigueur professionnelle et respiration musicale, entre chiffres et improvisation.

Sur scène, la chanteuse impressionne par son agilité vocale et sa capacité à naviguer entre plusieurs univers. À l’aise dans les répertoires de Lauryn Hill ou de Wyclef Jean, elle possède surtout cette liberté rare qui permet d’entrer dans le jazz sans le figer.

Et lorsqu’elle interprète Ella Fitzgerald ou Nina Simone, ce n’est jamais un exercice de copie. C’est une conversation.

Ella Fitzgerald représente pour elle la douceur puissante, l’élégance vocale absolue. “C’est mon artiste préférée de jazz”, confie-t-elle. Elle admire sa capacité à traverser aussi bien les balades que les morceaux rapides avec une fluidité presque naturelle.

Nina Simone, elle, occupe une place différente : celle du monument. Nouss Bih voit en elle “l’une des plus grandes artistes du XXe siècle”. Elle admire autant la musicienne que la femme engagée, la pianiste virtuose que l’icône des droits civiques. Là où Ella sublime l’interprétation, Nina impose une vision, une tension, une âme.

Dans I Put a Spell on You, chanson mythique qu’elle interpréte sur scène, Nouss Bih retrouve justement cette intensité émotionnelle qui traverse toute l’œuvre de Nina Simone : l’amour, l’excès, la dépendance affective, la puissance de la voix comme cri intérieur.

Entre la précision acquise au conservatoire, les influences sud-américaines, la soul américaine et le jazz classique, Nouss Bih construit aujourd’hui un univers à son image : élégant, sensible et habité.

ALEX KIPRE

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Pour cette soirée exceptionnelle, Marcus Miller partagera l’affiche avec Zohar & Adam ainsi qu’avec le projet “We Want Miles” – A Miles Davis Centennial Celebration, un hommage au légendaire Miles Davis réunissant Mike Stern, Bill Evans et Mino Cinelu.

Cette création célèbre le centenaire de Miles Davis à travers une relecture vibrante de son héritage musical, portée par plusieurs artistes ayant marqué son univers sonore. Une soirée placée sous le signe du jazz, de la fusion et de la mémoire vivante d’un géant de la musique contemporaine.

Marcus Miller entretient par ailleurs un lien particulier avec la Côte d’Ivoire. Le musicien américain s’était produit à Abidjan le samedi 28 mai 2016 lors d’un concert inédit organisé au Palais des Congrès du Sofitel Hôtel Ivoire. À cette occasion, il avait partagé la scène avec la célèbre bassiste ivoirienne Manou Gallo, dans une rencontre musicale saluée par les amateurs de jazz et de musiques du monde.

Arrivé à Abidjan le 24 mai 2016, Marcus Miller avait également animé un showcase avant le concert principal, renforçant ainsi la proximité avec le public ivoirien et les musiciens locaux.

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e-burnjazz

Qu’est-ce qui vous a initialement attiré vers le piano et la musique classique ?

Achille Kouassi

Ce qui a véritablement catalysé mon intérêt, c’est la quête de l’expression la plus accomplie de la beauté et de l’ordre.

La musique classique propose une esthétique capable de convaincre sans heurter, d’innover sans renier l’héritage, de rayonner sans aveugler.

Ce sont des idéaux profondément compatibles avec mon tempérament et que je rattache volontiers à une dimension presque spirituelle, voire divine.

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Votre formation classique influence-t-elle votre approche du jazz et des musiques populaires ivoiriennes ?

Achille Kouassi

La formation classique m’a transmis une discipline de pensée, une rigueur formelle et une méthode qui structurent durablement mon geste musical.

Lorsque ces outils dialoguent avec nos musiques traditionnelles fondées sur l’instinct et la spontanéité, naît alors une expressivité rare.

Un langage capable d’affirmer notre identité culturelle tout en restant ouvert aux sensibilités musicales du monde contemporain.

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Vous avez entrepris une réappropriation de grands titres ivoiriens par l’écriture classique. D’où vient cette démarche ?

Achille Kouassi

Au-delà des encouragements reçus à l’INSAAC, cette démarche est née d’un constat profondément préoccupant pour moi.

Les créations africaines, notamment ivoiriennes, demeurent presque absentes du corpus encyclopédique des musiques dites savantes universelles aujourd’hui.

J’ai donc souhaité participer, avec humilité, à cette réhabilitation nécessaire de notre patrimoine musical dans l’histoire mondiale des œuvres majeures.

e-burnjazz

Quels défis pose la transposition des musiques populaires vers le piano classique ?

Achille Kouassi

Ils sont extrêmement nombreux.

Le principal défi consiste à condenser plusieurs architectures rythmiques et mélodiques dans l’espace limité des dix doigts du pianiste.

Une fois cette réduction maîtrisée, il faut encore trouver une interprétation crédible, élégante et profondément respectueuse de l’œuvre originale.

Parfois, j’ai l’impression d’imaginer Ludwig van Beethoven, Frédéric Chopin et Franz Liszt dialoguant musicalement avec Ernesto Djédjé.

e-burnjazz

Quels compositeurs nourrissent particulièrement votre imaginaire musical ?

Achille Kouassi

J’éprouve une profonde affinité pour certains compositeurs de l’Europe du Nord et de l’Est, notamment Sergueï Rachmaninov, Piotr Ilitch Tchaïkovski et Edvard Grieg.

Mais Wolfgang Amadeus Mozart demeure pour moi l’absolu, cet équilibre mystérieux où la musique atteint une forme de béatitude presque parfaite.

e-burnjazz

Parmi les artistes ivoiriens revisités, lequel vous a le plus marqué ?

Achille Kouassi

Tous m’ont profondément marqué par la richesse de leurs univers respectifs.

Mais l’œuvre d’Ernesto Djédjé, notamment Ziboté et Assona, continue de me résister artistiquement avec fascination et exigence.

Son œuvre mérite encore aujourd’hui une véritable exploration musicologique approfondie.

e-burnjazz

Quelle place le jazz occupe-t-il dans votre univers ?

Achille Kouassi

Le jazz représente un espace essentiel de respiration esthétique dans mon parcours musical.

Cette liberté apparente nourrit paradoxalement une pensée musicale encore plus rigoureuse, plus sensible et davantage ouverte à l’imprévu créatif.

e-burnjazz

Parlez-nous du projet Jazz Trip initié par Abijazz.

Achille Kouassi

Jazz Trip compte parmi les initiatives culturelles les plus structurantes développées récemment autour du jazz en Côte d’Ivoire.

Le projet crée un dialogue remarquable entre pédagogie, mémoire musicale, spectacle vivant et transmission culturelle auprès des nouvelles générations ivoiriennes.

Je suis particulièrement honoré d’en assurer aujourd’hui la direction artistique.

e-burnjazz

Avez-vous d’autres projets de fusion en perspective ?

Achille Kouassi

Oui, naturellement.

Plusieurs projets importants doivent être relancés et consolidés malgré les difficultés récurrentes liées au financement culturel sur notre continent.

Ces œuvres demeurent essentielles dans ma recherche artistique et identitaire actuelle.

e-burnjazz

Comment abordez-vous la scène ?

Achille Kouassi

Je privilégie une approche hybride où l’interprétation fidèle dialogue constamment avec l’improvisation et les libertés offertes par l’instant musical.

Cette tension permet d’exprimer pleinement la pluralité de mon identité artistique contemporaine.

e-burnjazz

Quelle réaction du public vous touche le plus ?

Achille Kouassi

L’émerveillement d’un public populaire reconnaissant encore le thème originel malgré la sophistication harmonique de l’écriture proposée sur scène.

Cela signifie que l’œuvre a été sublimée sans jamais trahir l’intention profonde de son créateur initial.

e-burnjazz

Une œuvre qui vous représente pleinement aujourd’hui ?

Achille Kouassi

L’un de mes concertos pour piano et orchestre symphonique.

Cette forme représente probablement l’aboutissement le plus fidèle de ma vision esthétique comme compositeur et interprète contemporain.

Interview réalisée par Alex Kipré pour e-burnjazz.

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Tiburce Koffi : En réalité, c’est le saxophone qui s’est imposé à elle, et non l’inverse. Je ne suis pas son mentor, mais plutôt son parrain. Christy Sax est ma filleule, comme tant d’autres jeunes talents que j’ai accompagnés dans le milieu des arts et de la culture.

PM : Le saxophone ténor est souvent associé à des figures emblématiques comme Manu Dibango et Stan Getz. Pourquoi avoir recommandé cet instrument à une jeune femme frêle comme Christy Sax ? Pensez-vous que cela ne risque pas de lui causer des dommages ?

TK : Christy n’est plus frêle, comme vous le savez. Elle a gagné en embonpoint, ce qui lui permet de jouer du saxophone ténor avec aisance. De plus, ce n’est pas moi qui ai choisi cet instrument pour elle. C’est le saxophone qui l’a choisie. Tout saxophoniste sérieux maîtrise le ténor, l’alto, et le soprano. Certains ajoutent même la flûte ou la clarinette à leur répertoire. Christy a été formée par Christian Kapet, qui lui-même a été élève de feu Éric Tapé Daléba, un autre de mes filleuls. C’est Christian Kapet qui m’a fait découvrir Christy alors qu’elle était encore en formation.

PM : Qu’est-ce qui vous a convaincu qu’elle deviendrait une grande saxophoniste ?

TK : Mon intuition, le flair que j’ai en tant que musicien et enseignant, et mon expérience dans le domaine.

Christy était une étudiante disciplinée, polie, et très dévouée.

Sous mes conseils, elle a intensifié sa pratique de l’instrument, passant de moins de 30 minutes de répétition par semaine à plusieurs heures par jour. Le résultat a été remarquable : quelques mois plus tard, elle jouait déjà au Ménékré avec son orchestre, interprétant des morceaux du répertoire d’Awana. Elle rappelait alors Manu Yodan, ressuscité.

PM : Vous avez connu Manu Dibango et Manu Yodan, deux géants du saxophone. Sans faire de comparaison directe, quelle correspondance voyez-vous entre eux et Christy Sax ?

TK : J’ai eu l’honneur de connaître les deux Manu : Dibango et Yodan. Manu Yodan était un disciple de Manu Dibango, dont il avait emprunté les phrasés tout en explorant divers courants du jazz, de la Nouvelle-Orléans au Jazz Fusion. Christy Sax est encore en pleine progression, et il serait injuste de la comparer à Manu Yodan pour l’instant. Toutefois, il est tout à fait approprié qu’elle lui rende hommage. J’espère que, de là où il est, Manu Yodan lui apportera sa bénédiction.

PM : Que souhaitez-vous dire au public abidjanais à l’approche de cette soirée hommage à Manu Yodan ?

TK : J’invite le public abidjanais, en particulier les amateurs de jazz, à venir nombreux au Wafou ce samedi pour encourager Christy Sax. Elle est le futur du jazz ivoirien et mérite tout notre soutien.

Propos recueillis par

POUVOIRS MAGAZINE

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