Dernier groupe à se produire sur la scène du Festival international de jazz de Saint-Louis, qui s’est tenu du 13 au 17 mai 2026 à Saint-Louis, principalement à la Place Baya, Abate Berihun & The Addis Ken Project ont livré une prestation époustouflante, mêlant ferveur spirituelle, improvisation contemporaine et énergie du jazz moderne.

À la tête de cette formation singulière, le saxophoniste et chanteur éthiopien Abate Berihun, figure majeure de la scène éthio-jazz et collaborateur de légendes comme Mulatu Astatke, Mahmoud Ahmed ou Gigi, construit un univers musical profondément enraciné dans les traditions abyssiniennes.

Le projet Addis Ken — qui signifie « Nouveau Jour » en amharique — est né de sa rencontre avec le pianiste Roy Mor. Ensemble, ils façonnent une musique puissante où soul éthiopienne, prières ancestrales et jazz contemporain dialoguent avec intensité. Le quartet, complété par Oz Yechieli à la basse et Amir Bar Akiva à la batterie, développe un son hypnotique, traversé par le groove, le blues et une grande liberté d’improvisation.

Fondateur des ensembles Tezeta, Ras Dashen et Kuluma, Abate Berihun poursuit avec Addis Ken une exploration musicale spirituelle et audacieuse, entre héritage africain et modernité jazz.

Après leur passage remarqué à Saint-Louis, le groupe se produira le 2 juin au Musée d’Art et d’Histoire du Judaïsme à Paris.

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Élevé au jazz fusion des années 1990, Alune Wade est devenu bien plus qu’un simple bassiste : un bâtisseur de ponts entre les cultures. Né à Dakar le 9 juin 1978, fils d’un joueur de cor d’harmonie devenu chef de la fanfare militaire sénégalaise, il grandit dans un univers où la musique est partout — dans les cuivres, les marches, les harmonies classiques et les rythmes africains.

Très tôt, il choisit après la batterie, la basse. Un instrument qu’il considère comme une colonne vertébrale musicale, capable de dialoguer à la fois avec la batterie et le piano. À 18 ans, il rejoint le groupe de Ismaël Lô et sillonne les grandes scènes internationales pendant huit ans. Puis viennent les rencontres décisives : Youssou N’Dour, Salif Keïta, Joe Zawinul, Marcus Miller à qui il offre le choeur de “Hilife” ou encore Paco Sery, qu’il considère comme un père musical qu’il fait passer, lors des concerts, à la sanza pour un dialogue d’instruments.

Mais Alune Wade ne se contente pas d’accompagner les autres. Sa basse chante, raconte et voyage. De Paris à La Havane, de Casablanca à New York, il poursuit une quête musicale nourrie de jazz, d’afrobeat, de blues et de mémoire africaine.

Son nouvel album, New African Orleans, attendu le 2 mai, pousse encore plus loin cette exploration. Entre Lagos, Saint-Louis et La Nouvelle-Orléans, il retrace les liens profonds entre l’Afrique et l’Amérique noire. L’album sonne comme une traversée transatlantique : celle des rythmes, des blessures, des chants et des héritages partis d’Afrique pour donner naissance au blues, au jazz et à l’afrobeat.

Dans des morceaux comme Boogie & Juju ou Water No Get Enemy, hommage vibrant à Fela Kuti et Tony Allen, Alune Wade fait dialoguer les continents. Fanfares militaires, groove nigérian, spiritualité noire américaine, chants d’église et rythmes africains s’y mêlent dans un même souffle.

Avec lui, la basse devient mémoire vivante. Elle porte les routes de l’exil, les pulsations de Dakar, les échos du Bayou et les battements d’un continent qui continue d’irriguer la musique du monde.

Alune Wade ne joue pas seulement du jazz. Il raconte l’Afrique en mouvement.

ALEX KIPRE

Photos : Wlad Simitch

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Il est l’initiateur et le porteur de “L’Émoi du Jazz”, festival qui a contribué à faire d’Abidjan une véritable destination jazz, ouverte aux rencontres musicales et aux grandes scènes internationales.

Cette biographie richement illustrée retrace son parcours et permet de découvrir les multiples facettes de l’artiste : vie familiale, scolarité, parcours professionnel et itinéraire musical. Elle raconte surtout l’histoire d’un musicien habité par le jazz, au jeu d’une grande virtuosité, parfois comparé à celui de George Benson, et qui donna son premier concert avant même l’âge adulte.

On lui doit également l’interprétation du titre “Joe Will”, une pièce qui a rencontré un véritable succès et marqué son parcours musical.

Cet ouvrage, publié aux Éditions Eburnie avec l’engagement de Mme Amoikon, s’inscrit dans une démarche de valorisation du patrimoine musical ivoirien et africain, ainsi que de promotion de l’excellence artistique.

Le livre s’intitule :
“Dez Gad – Le jazz au bout des doigts”
152 pages consacrées à un guitariste impressionnant par sa virtuosité, dont le jazz semblait naître directement du bout des doigts.

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Les visages sont fatigués, les gestes mesurés, le souffle un peu lourd.

Puis la musique commence. Lentement, la fatigue se transforme : elle devient rythme, tension, matière vivante. Les notes ne sont pas propres, elles sont vraies, chargées de routes, de travail, de silence.

Et soudain, tout change. Le corps se redresse, le regard s’ouvre, la scène avale le poids du jour.

Ils ne jouent pas seulement de la musique. Ils déposent leur journée.

Et tout s’élève.

Cela donne en revanche un jazz très vivant, parfois brut, mais très expressif

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Mais Miles n’a ni arrêté la musique ni montré de colère. Il a simplement écouté… puis joué quelques notes qui transformaient cette erreur en quelque chose de parfaitement juste, presque magique. Comme si l’accord avait toujours été prévu.

Après le concert, Herbie lui demanda comment il avait réussi à sauver ce moment. Miles lui répondit calmement :
« Ce n’est pas la note que tu joues qui compte. C’est la façon dont tu réagis ensuite. »

Depuis, cette anecdote est devenue l’un des grands “potins élégants” du jazz : une erreur peut parfois ouvrir une porte vers quelque chose de totalement nouveau.

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Photos: (c) C. Brandon

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Porté par l’esprit cosmopolite de Tanger, Tanjazz réunira une nouvelle fois des artistes internationaux et des talents émergents dans une ambiance festive et conviviale, au croisement du jazz, des sonorités africaines, orientales et contemporaines.

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Entre Londres et Bahreïn, traditions orientales et explorations électroniques, Yazz Ahmed façonne depuis plus d’une décennie une œuvre singulière où le jazz devient un territoire sans frontières. Trompettiste, bugliste et compositrice bahreïni-britannique, elle est revenue en février 2025 A Paradise in the Hold, un album profondément inspiré par les chants marins et les mémoires populaires de Bahreïn.

Née en 1983 à Londres d’une mère britannique et d’un père bahreïnien, Yazz Ahmed grandit entre deux cultures qui nourriront toute sa musique. Elle passe une partie de son enfance à Bahreïn avant de revenir à Londres à l’âge de neuf ans. Très tôt, elle découvre la trompette grâce à son grand-père Terry Brown, lui-même trompettiste de jazz, qui l’encourage à développer son propre langage musical.

Après des études à la Kingston University puis à la Guildhall School of Music and Drama, elle fonde rapidement son propre groupe et enregistre en 2011 Finding My Way Home, un premier album déjà marqué par son désir de faire dialoguer le jazz occidental avec les sonorités arabes.

Mais au-delà de son parcours, c’est aussi sa présence qui fascine. Yazz Ahmed incarne visuellement cette rencontre des mondes qu’elle célèbre dans sa musique. Avec ses longs cheveux foncés tombant jusqu’au nombril, souvent ondulés ou naturellement bouclés, son teint mat hérité de ses origines bahreïniennes et britanniques, ainsi que son regard sombre et profond, elle dégage une élégance presque cinématographique. Sa silhouette fine et son style artistique, mêlant sophistication contemporaine et inspirations moyen-orientales, prolongent l’univers de ses compositions.

Chez elle, l’apparence n’est jamais détachée de l’art : ses mouvements, sa manière de tenir le bugle ou la trompette, les tissus fluides qu’elle porte parfois sur scène, tout semble participer à cette musique suspendue entre mystère et spiritualité. On retrouve dans son image la même sensation que dans ses œuvres : une douceur hypnotique traversée de tensions intérieures.

Sa musique a souvent été décrite comme du « jazz arabe psychédélique ». Une définition qui prend tout son sens dans des albums majeurs comme La Saboteuse (2017), salué internationalement et élu Jazz Album of the Year par le magazine The Wire, ou Polyhymnia (2019), vaste fresque consacrée à des femmes courageuses et inspirantes comme Rosa Parks, Malala Yousafzai ou encore les Suffragettes.

Toujours en quête de nouvelles textures sonores, Yazz Ahmed développe même un bugle quart de ton lors de sa résidence au LSO Soundhub, afin d’explorer les microtonalités propres à la musique arabe et retrouver la profondeur émotionnelle des « blue notes ». Cette recherche sonore devient l’une des signatures de son univers musical.

Au fil des années, elle multiplie les collaborations prestigieuses avec Radiohead, Lee Scratch Perry, John Zorn, Nile Rodgers, Natacha Atlas ou encore Tarek Yamani. Elle participe également à l’album The King of Limbs de Radiohead et tourne avec le groupe These New Puritans.

Sa trompette flotte comme une voix venue d’ailleurs : tantôt brumeuse, tantôt lumineuse, portée par des rythmes hypnotiques et des paysages électroniques subtils. 

Dans le paysage musical contemporain, Yazz Ahmed occupe désormais une place singulière : celle d’une artiste capable de transformer ses racines multiples en langage universel, et de faire du jazz un espace de mémoire, de liberté et d’imaginaire.

ALEX KIPRE

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Né à Lubumbashi en 1950, Manda Tchebwa s’est imposé comme l’une des plus grandes voix de la musicographie afro-caribéo-américaine. Chroniqueur musical de renom, ancien acteur du paysage culturel à Kinshasa, fondateur de l’ACMCO et directeur artistique du MASA, il met dans ce livre toute la profondeur de son savoir et de sa passion.

À travers les grandes figures comme Louis Armstrong, John Coltrane, Kallé Jeff ou Franco Luambo, l’auteur démontre que le jazz noir n’est pas une musique figée dans le passé, mais une mémoire vivante qui relie l’Afrique, les Amériques et les Caraïbes dans un même souffle culturel.

L’ouvrage révèle les passerelles entre le blues, les spirituals, le gospel, le be-bop ou encore le jazz-fusion, tout en rappelant combien les artistes noirs ont révolutionné la musique mondiale malgré l’esclavage, la ségrégation et les injustices historiques. Du Bembeya Jazz National aux pionniers sud-africains de African Jazz Pioneers, Manda Tchebwa retrace une épopée musicale où chaque note devient un acte de mémoire et de dignité.

Toujours actuel, Aux sources du jazz noir ne prend pas une ride parce qu’il célèbre une vérité intemporelle : le jazz est l’une des plus grandes contributions du peuple noir au patrimoine universel. Un livre essentiel pour comprendre comment la musique noire a façonné le monde moderne et continue d’inspirer les générations.

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