Les visages sont fatigués, les gestes mesurés, le souffle un peu lourd.

Puis la musique commence. Lentement, la fatigue se transforme : elle devient rythme, tension, matière vivante. Les notes ne sont pas propres, elles sont vraies, chargées de routes, de travail, de silence.

Et soudain, tout change. Le corps se redresse, le regard s’ouvre, la scène avale le poids du jour.

Ils ne jouent pas seulement de la musique. Ils déposent leur journée.

Et tout s’élève.

Cela donne en revanche un jazz très vivant, parfois brut, mais très expressif

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Photos: (c) C. Brandon

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Porté par l’esprit cosmopolite de Tanger, Tanjazz réunira une nouvelle fois des artistes internationaux et des talents émergents dans une ambiance festive et conviviale, au croisement du jazz, des sonorités africaines, orientales et contemporaines.

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Entre Londres et Bahreïn, traditions orientales et explorations électroniques, Yazz Ahmed façonne depuis plus d’une décennie une œuvre singulière où le jazz devient un territoire sans frontières. Trompettiste, bugliste et compositrice bahreïni-britannique, elle est revenue en février 2025 A Paradise in the Hold, un album profondément inspiré par les chants marins et les mémoires populaires de Bahreïn.

Née en 1983 à Londres d’une mère britannique et d’un père bahreïnien, Yazz Ahmed grandit entre deux cultures qui nourriront toute sa musique. Elle passe une partie de son enfance à Bahreïn avant de revenir à Londres à l’âge de neuf ans. Très tôt, elle découvre la trompette grâce à son grand-père Terry Brown, lui-même trompettiste de jazz, qui l’encourage à développer son propre langage musical.

Après des études à la Kingston University puis à la Guildhall School of Music and Drama, elle fonde rapidement son propre groupe et enregistre en 2011 Finding My Way Home, un premier album déjà marqué par son désir de faire dialoguer le jazz occidental avec les sonorités arabes.

Mais au-delà de son parcours, c’est aussi sa présence qui fascine. Yazz Ahmed incarne visuellement cette rencontre des mondes qu’elle célèbre dans sa musique. Avec ses longs cheveux foncés tombant jusqu’au nombril, souvent ondulés ou naturellement bouclés, son teint mat hérité de ses origines bahreïniennes et britanniques, ainsi que son regard sombre et profond, elle dégage une élégance presque cinématographique. Sa silhouette fine et son style artistique, mêlant sophistication contemporaine et inspirations moyen-orientales, prolongent l’univers de ses compositions.

Chez elle, l’apparence n’est jamais détachée de l’art : ses mouvements, sa manière de tenir le bugle ou la trompette, les tissus fluides qu’elle porte parfois sur scène, tout semble participer à cette musique suspendue entre mystère et spiritualité. On retrouve dans son image la même sensation que dans ses œuvres : une douceur hypnotique traversée de tensions intérieures.

Sa musique a souvent été décrite comme du « jazz arabe psychédélique ». Une définition qui prend tout son sens dans des albums majeurs comme La Saboteuse (2017), salué internationalement et élu Jazz Album of the Year par le magazine The Wire, ou Polyhymnia (2019), vaste fresque consacrée à des femmes courageuses et inspirantes comme Rosa Parks, Malala Yousafzai ou encore les Suffragettes.

Toujours en quête de nouvelles textures sonores, Yazz Ahmed développe même un bugle quart de ton lors de sa résidence au LSO Soundhub, afin d’explorer les microtonalités propres à la musique arabe et retrouver la profondeur émotionnelle des « blue notes ». Cette recherche sonore devient l’une des signatures de son univers musical.

Au fil des années, elle multiplie les collaborations prestigieuses avec Radiohead, Lee Scratch Perry, John Zorn, Nile Rodgers, Natacha Atlas ou encore Tarek Yamani. Elle participe également à l’album The King of Limbs de Radiohead et tourne avec le groupe These New Puritans.

Sa trompette flotte comme une voix venue d’ailleurs : tantôt brumeuse, tantôt lumineuse, portée par des rythmes hypnotiques et des paysages électroniques subtils. 

Dans le paysage musical contemporain, Yazz Ahmed occupe désormais une place singulière : celle d’une artiste capable de transformer ses racines multiples en langage universel, et de faire du jazz un espace de mémoire, de liberté et d’imaginaire.

ALEX KIPRE

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Vous êtes née au Maroc, avez grandi en France et vivez aujourd’hui à New York. Comment ce parcours a-t-il façonné votre identité musicale ?

Je suis née à Oulad Teïma, entre Agadir et Taroudant, dans une famille profondément marocaine. Ma mère est berbère du Haut Atlas et mon père vient de Tata. Même après notre installation à Paris, la maison est toujours restée marocaine dans l’âme, dans les traditions, dans la langue, dans la musique.

Très tôt, j’ai ressenti le besoin de me sentir partout chez moi : aussi bien dans le désert que dans une grande ville illuminée. Cette double culture, puis cette vie entre plusieurs continents, ont naturellement nourri ma musique. Aujourd’hui encore, je chante en arabe marocain, en berbère, en français et en anglais, parce que chacune de ces langues raconte une partie de moi.

Comment le jazz est-il entré dans votre vie ?

J’ai commencé par apprendre la clarinette à l’école. Mon professeur, qui était batteur de formation, m’a ouvert les portes du jazz. Il m’a donné les clés de cette musique et cela a été une révélation.

Je joue du jazz pour son immense liberté, pour l’improvisation. Quand j’ai rencontré le jazz, j’y ai retrouvé la musique arabe, la musique africaine… Cette place essentielle donnée à l’improvisation m’a immédiatement touchée. J’ai tout de suite su que c’était ce dont j’avais besoin artistiquement.

Quelles sont les artistes qui vous ont le plus inspirée ?

Mon premier grand amour jazz, c’est Ella Fitzgerald. Pour moi, elle symbolise réellement la liberté et la joie. Sa voix, son énergie, sa manière d’improviser m’ont profondément marquée.

Ensuite, j’ai beaucoup écouté Bobby McFerrin, Al Jarreau et Sarah Vaughan. Ce sont des artistes qui m’inspirent encore aujourd’hui pour leur créativité et leur liberté vocale.

Votre musique mélange plusieurs univers : jazz, soul, musiques africaines, sonorités berbères ou gnawa… Est-ce une manière de raconter votre histoire ?

Absolument. Ma musique est le reflet de tout ce que je suis. Je viens d’un univers où les frontières musicales n’existent pas vraiment. La musique berbère, le gnawa, le chaâbi, le jazz, la soul, les rythmes africains ou brésiliens cohabitent naturellement en moi.

Dans mon album Feen, j’ai justement voulu exprimer cette diversité du monde. Parce qu’au fond, la musique reste la musique. Peu importe le style ou l’origine, elle parle directement au cœur.

Vous avez chanté sur de grandes scènes internationales et collaboré avec plusieurs artistes. Que retenez-vous de ces expériences ?

Chaque rencontre artistique est un échange humain avant tout. J’aime collaborer avec des artistes qui viennent d’horizons différents, parce que cela nourrit la création et ouvre de nouvelles perspectives.

Quand on improvise ensemble, on dépasse souvent les mots, les nationalités ou les cultures. C’est cela qui me passionne dans la musique : sa capacité à relier les êtres.

Quelle place l’art occupe-t-il dans le monde actuel selon vous ?

La musique, la chanson, l’art en général sont un véritable pouvoir. Ils sont puissants. Ils sont capables de tout : de rassembler, de guérir, de faire réfléchir, d’ouvrir les consciences.

Dans un monde parfois divisé, l’art reste un espace de liberté et de dialogue. C’est pour cela qu’il est essentiel.

e-burn Jazz

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Dans certains concerts, il n’y a plus de frontière entre la musique et la vie. Le bruit d’un moteur qui ronfle devient une basse hypnotique. Une aubergine frappée avec les doigts produit une percussion organique. Un pilon, une calebasse remplie d’eau, un souffle, un cri, un frottement métallique : tout peut devenir musique. Une nouvelle génération d’artistes africains et afro-descendants est en train de faire naître un courant musical où l’improvisation dépasse les cadres classiques du jazz pour devenir une exploration totale du son, de la matière et de l’émotion.

Ce ne sont plus seulement des musiciens. Ce sont des chercheurs, des explorateurs, des contaminateurs sonores.

À travers leurs performances expérimentales, ils transforment leurs émotions en paysages acoustiques. Ils inventent un langage où les objets du quotidien deviennent des instruments et où l’improvisation n’est plus seulement une technique de jazz mais une philosophie artistique. Leur démarche repose sur une idée simple : tout est musique.

Parmi les figures les plus fascinantes de ce mouvement figure Oswald Kouamé, né le 28 août 1983 à Abidjan. Surnommé « l’extraterrestre de la percussion », il est l’un des pionniers de cette révolution sonore. Très tôt, il apprend à créer des rythmes à partir des éléments de la nature. Chez lui, le son ne se limite pas aux instruments conventionnels. Le moteur d’une machine, le bois frappé, les vibrations d’un objet abandonné ou les pulsations urbaines deviennent matière musicale.

Diplômé en musicologie de l’Institut National des Arts et de l’Action Culturelle, Oswald Kouamé développe des concepts novateurs comme le Saket Jazz, fusion entre les cultures africaines et asiatiques, ou encore le Nzasam, une esthétique musicale ouverte sur toutes les formes de contamination artistique. Installé au Japon, où il enseigne dans plusieurs écoles, il est devenu un pont culturel entre l’Afrique et l’Asie. Son concept « Tout est musique » résume parfaitement cette nouvelle école du jazz expérimental : écouter le monde autrement.

Dans cette même constellation artistique brille Dudù Kouate, percussionniste et multi-instrumentiste sénégalais né en 1963. Basé en Italie depuis de nombreuses années, Dudù Kouate parle de son travail comme d’une « recherche du son des éléments ». Son univers sonore est une forêt vivante où dialoguent le djembé, les flûtes panafricaines, le xalam berbère, le didgeridoo australien et les célèbres calebasses à eau dont il tire des vibrations presque mystiques.

Avec ses concerts expérimentaux, Dudù Kouate donne l’impression de convoquer les forces invisibles de la nature. Chaque objet devient une source de résonance. Chaque performance ressemble à un rituel contemporain où les traditions africaines rencontrent le jazz d’avant-garde et les musiques du monde. Son album Africation illustre cette volonté de fusionner les héritages culturels pour créer une musique sans frontières.

Plus jeune mais déjà incontournable, Abel Selaocoe, né en 1992 en Afrique du Sud, pousse encore plus loin cette liberté créatrice. Virtuose du violoncelle, il mêle la rigueur classique occidentale aux chants traditionnels sud-africains inspirés du peuple Xhosa. Chez lui, le violoncelle cesse d’être un simple instrument classique : il devient percussion, voix, souffle et mémoire ancestrale.

Sa musique traverse les suites classiques, les rythmes des townships, les chants sacrés et les harmonies contemporaines. Abel Selaocoe incarne une nouvelle génération d’artistes capables de réinventer les traditions africaines tout en dialoguant avec les scènes expérimentales du jazz mondial. Son intégration à l’univers de l’Art Ensemble of Chicago confirme cette appartenance à une avant-garde musicale internationale.

Ce courant artistique n’a pas encore de nom officiel. Certains parlent d’« afro-jazz expérimental », d’autres de « jazz organique » ou de « musique des éléments ». Mais au fond, peu importe l’étiquette. Ce qui unit ces artistes, c’est leur manière de transformer l’émotion en laboratoire sonore.

Ils refusent les limites.

Ils improvisent avec le réel.

Ils contaminent le jazz avec les bruits du monde.

Et dans cette contamination créative naît une musique nouvelle : libre, instinctive, spirituelle et profondément africaine.

Ces artistes ne jouent pas seulement des notes. Ils réinventent notre façon d’écouter.

ALEX KIPRE

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Son parcours ressemble à une ascension forgée dans la passion et la persévérance. Enfant, il commence par les percussions à l’âge de neuf ans avant de tomber amoureux de la guitare grâce à l’influence d’un de ses frères. Mais les débuts sont difficiles. Lionel économise pendant une année entière pour acheter sa première guitare à cinquante dollars. Faute de moyens, il entretient ses cordes avec du vinaigre et remplace parfois celles-ci par des câbles de bicyclette. Derrière cette débrouillardise se cachait déjà une détermination hors du commun.

En 1990, il quitte le Bénin pour Abidjan afin d’intégrer l’Institut national supérieur des arts et de l’action culturelle. Cette étape ivoirienne devient fondatrice dans sa construction artistique. Il poursuit ensuite ses études à Paris, à l’American School of Modern Music, avant de rejoindre la prestigieuse Berklee College of Music à Boston grâce à une bourse obtenue en 1999. Son talent exceptionnel l’amène enfin au mythique Thelonious Monk Institute of Jazz, au sein de l’université de Californie, où il impressionne un jury composé notamment de Herbie Hancock, Wayne Shorter et Terence Blanchard.

La rencontre avec Herbie Hancock changera sa vie. Entre les deux artistes naît une relation musicale rare, presque fusionnelle. Hancock, immense révolutionnaire du jazz moderne, décrit Lionel Loueke comme un « peintre de la musique ». Une définition parfaite pour cet artiste capable de colorer le jazz de nuances africaines inédites. Lionel lui consacrera d’ailleurs un album hommage intitulé Double H. Avec Hancock, il explore des territoires sonores où les voix, les onomatopées, les rythmes africains et les harmonies modernes deviennent un seul souffle.

Mais Lionel Loueke ne se limite pas à une seule collaboration prestigieuse. Son parcours est jalonné de rencontres extraordinaires avec des géants de la musique mondiale comme Richard Bona, Angélique Kidjo, Sting, Marcus Miller, Dave Holland ou encore Quincy Jones. En 2010, lorsque Quincy Jones souhaite entourer la célébration de ses soixante ans de carrière de musiciens africains d’exception, Lionel Loueke figure naturellement parmi les élus aux côtés de Richard Bona.

Son jeu de guitare est d’une sophistication remarquable, sans jamais devenir inaccessible. Il possède cette capacité rare à mêler les harmonies du jazz moderne aux pulsations des musiques africaines traditionnelles. Lorsqu’on écoute Lionel Loueke, on a l’impression d’entendre les voix du continent dialoguer avec l’avant-garde du jazz mondial. Son instrument chante, respire, murmure et danse. Ses onomatopées, intégrées à son jeu, donnent à ses concerts une dimension organique et profondément humaine.

Au-delà du virtuose, Lionel Loueke est aussi un passeur de savoir. Après un parcours académique exceptionnel, il devient enseignant au Jazz Campus en Suisse, transmettant son expérience à une nouvelle génération de musiciens, parmi lesquels le guitariste camerounais Sami Nkuh. Son histoire démontre qu’un artiste africain peut conquérir les plus grandes scènes du monde sans jamais renier ses racines.

Le 8 février 2025, Lionel Loueke était en concert à l’Institut français du Cameroun. Une nouvelle étape dans le voyage musical de cet explorateur du son qui continue, décennie après décennie, d’émerveiller le public par son élégance artistique et son authenticité.

Lionel Loueke est plus qu’un guitariste de jazz. Il est la preuve vivante que la musique africaine peut dialoguer avec toutes les cultures sans perdre son âme. 

ALEX KIPRE

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Comment êtes-vous arrivé à la musique ?

Je suis guitariste autodidacte. Mon cousin était menuisier et fabriquait des guitares. J’ai choisi l’une des siennes pour apprendre à jouer. Mais nous commencions souvent avec de vieux pianos dans des centres culturels de différents endroits. Je récupérais des fils et des rayons de vélo pour fabriquer les cordes de ma basse. Comme j’étais le plus jeune, je faisais tout, car tout le monde me demandait de faire ceci ou cela. Ce n’était pas agréable, mais je devais le faire ; c’était mon devoir, et cela m’a été utile. Un jour, j’ai apporté la guitare de mon cousin chez mon père, et il n’était pas content.

Il ne voulait pas que vous soyez musicien ?

Mon père était pharmacien.

Et il voulait que vous soyez pharmacien, voire médecin ?

Il voulait que je sois médecin, c’était son souhait.

Où avez-vous grandi ?

J’ai grandi dans différents endroits : en Afrique du Sud, au Mozambique, en Namibie, au Botswana, au Zimbabwe… J’ai beaucoup voyagé.

Avez-vous joué de la musique dans tous ces endroits ? Je crois savoir que vous faisiez partie des artistes qui se sont produits lors de la fête de l’indépendance du Botswana en 1986 ?

C’est exact, j’y étais avec George Lee, de Sekondi-Takoradi au Ghana, un artiste exceptionnel. Bien qu’il ne soit plus parmi nous, je suis très honoré et privilégié d’avoir appris de lui. Il fait partie des artistes qui ont inspiré Courtney Pine.

Quand avez-vous décidé de passer outre les souhaits de votre père et de devenir musicien professionnel ?

J’ai découvert que mon père avait essayé la guitare à un moment donné, mais mon grand-père, dont je porte le nom, était musicien. Il jouait du xylophone, mais pas de la guitare. J’ai commencé la guitare en 1979. J’avais 13 ans et je jouais lors des mariages pour animer les festivités. J’étais aussi danseur et chanteur. J’ai essayé d’intégrer deux éléments, la danse et la guitare, lorsque j’ai commencé à écouter Franco.

Franco Luambo Makiadi d’OK Jazz ?

Oui, et Sam Mangwana aussi. C’était du très bon jeu de guitare en Afrique, mais j’ai découvert d’autres styles venus des États-Unis, notamment George Benson, et j’ai été immédiatement conquis. Je n’avais jamais entendu des guitaristes jouer comme ça. À partir de ce moment-là, je me suis concentré sur la guitare, mais je n’écoutais pas beaucoup de guitaristes. J’ai commencé à écouter beaucoup de cuivres, comme Charlie Parker et d’autres musiciens du même genre. Puis, lorsque j’ai découvert des artistes comme Salif Keita, j’ai commencé à utiliser ma guitare comme une voix africaine. Lors d’un voyage au Ghana, j’ai découvert d’autres aspects de la guitare, une autre façon d’exprimer ma voix. J’ai alors commencé à écouter des chanteuses africaines comme Angélique Kidjo et Miriam Makeba afin de trouver ma propre voix d’artiste africain.

Avez-vous joué dans leurs groupes ?

J’ai travaillé avec Miriam Makeba quand j’avais 19 ans et avec Hugh Masekela quand j’en avais 21.

Ayant grandi principalement en Afrique australe, quel rôle avez-vous joué dans la lutte contre l’apartheid en tant que musicien et jeune homme ? L’activisme qui se déroulait autour de vous a-t-il influencé votre musique ?

Absolument ! Je me souviens qu’à l’époque, j’essayais simplement de suivre le mouvement. Il y avait un véritable vivier de musiciens sud-africains au Botswana, et Hugh Masekela a joué un rôle déterminant pour de nombreux artistes d’Afrique australe. Le Botswana était alors la capitale de la musique africaine ; on y croisait des musiciens venus de toute l’Afrique. On trouvait la même chose à Conakry, en Guinée. Ils étaient là avant d’explorer d’autres régions d’Afrique. J’étais encore jeune et je n’ai pas pu me rendre dans ces pays, mais j’ai beaucoup appris là où j’étais. Je voulais simplement trouver ma place et m’épanouir en tant que musicien.

Vous êtes finalement parti aux États-Unis, comme Masekela, Makeba et Fela Kuti. Comment l’Amérique vous a-t-elle influencé ?

Ce fut un véritable choc culturel. J’ai découvert l’existence d’un musicologue nommé Hugh Tracey. Il a mené des recherches sur les traditions musicales du Cap au Caire. C’est lui qui a documenté notre culture. Il n’y a rien de plus douloureux que d’arriver aux États-Unis et de se faire dicter sa personnalité. On ne peut pas y aller et jouer du George Benson ; il faut être soi-même. C’est ce qui est arrivé à beaucoup de musiciens africains… À l’époque, je suis sûr que Fela essayait d’imiter James Brown, Masekela Louis Armstrong, et moi George Benson. Une fois sur place, on vous dit : « Joue ta musique. » J’ai dû me remettre en question et essayer de me retrouver.

En résumé, l’Amérique vous a aidé à vous découvrir ?

D’une certaine manière, oui. On ne peut pas aller aux États-Unis et essayer d’être George Benson. Il y a des centaines de musiciens comme lui. Alors, que faire ? Il faut être soi-même, se trouver. Mais tout cela est aussi lié aux médias, à ce que nous écoutions et regardions à la télévision.

Vous avez remporté plusieurs prix musicaux, dont le KORA, mais pas le South African Music Award (SAMA). Quel impact cela a-t-il eu sur vous ?

Je me vois comme un ambassadeur. Je me considère comme quelqu’un qui œuvre pour le développement culturel, pour préserver et perpétuer notre héritage. Je ne me vois pas comme quelqu’un ayant atteint son but. Je suis heureux de pouvoir aider mon peuple à prendre conscience de son identité et à faire évoluer notre culture ; c’est mon devoir.

Vous avez formé des groupes et joué dans d’autres. Comment s’est déroulé votre parcours jusqu’à présent ?

Lorsque je travaillais avec Papa Wemba, j’ai réalisé que nous devions former un groupe africain centré sur notre identité musicale. À cette époque, la scène musicale ouest-africaine était en pleine effervescence et une musique originale émergeait. Nous avons formé un groupe appelé Loading Zone et accompagné divers artistes, dont Brenda Fassie, Sipho Mabuse, Hugh Masekela et Miriam Makeba. J’ai découvert qui j’étais et trouvé ma propre voix, car notre musique est le seul moyen de nous identifier. Nous cherchions simplement à représenter ce que nous étions en tant qu’Africains. Beaucoup n’étaient pas prêts à entendre cela à l’époque. Aujourd’hui, la musique africaine est largement reconnue et soutenue.

Qui étaient les membres de Loading Zone ?

John Hassan, Frank Paco, Jimmy Dludlu, entre autres. Je qualifie ce groupe de cosmopolite, composé de musiciens venus du monde entier, car je cherche toujours à collaborer avec des artistes internationaux afin de donner une voix plus forte à tout le continent africain.

Vous dites jouer de la musique africaine, mais elle est aussi classée comme jazz. Parlez-moi de votre afro-jazz.

 Aux États-Unis, on m’a dit d’arrêter d’être George Benson et de devenir moi-même 

Le jazz américain est une chose : smooth jazz, fusion, etc. Ensuite, il y a le jazz afro-cubain, le jazz brésilien… En Afrique, il se manifeste différemment. Mon style, c’est l’afro-jazz. Je puise mon inspiration dans toute l’Afrique afin de faire entendre ma voix d’Africain. Donc ce n’est pas du jazz américain, c’est de l’afro-jazz.

Le jazz est-il populaire en Afrique ?

Je parlerais plutôt de jazz africain. Beaucoup de jeunes comprennent que cette musique n’est ni de l’afrobeat, ni du kwasa-kwasa, ni de la pop. C’est une musique progressive avec une saveur africaine.

Partout en Afrique, les jeunes font du hip-hop ou du hiplife. Quel regard portez-vous sur cela ?

La jeunesse africaine cherche sa voie à travers ses propres ressources, le highlife et d’autres styles, mais elle a besoin d’être guidée. Si nous ne pouvons pas l’aider et que nous nous contentons de la critiquer, qui va lui montrer le chemin ?

Mais ils ont vos disques, ceux de Fela…

Ce n’est pas suffisant. Les grandes maisons de disques ne promeuvent pas encore notre culture ; elles privilégient la musique occidentale.

Que faites-vous pour changer cela ?

J’enseigne dans trois pays. J’apprends aux artistes à trouver leur propre voix africaine. J’enseigne au Mozambique depuis cinq ans, ainsi qu’en Afrique du Sud.

Je sais que vous enseignez également à l’Université du Cap ?

Oui, mais toujours dans le même objectif : aider les artistes à trouver leur propre identité musicale.

Combien d’albums avez-vous sortis ?

J’en ai sorti sept jusqu’à présent.

S.U : Combien de prix avez-vous remportés ?

Je serais arrogant si je commençais à en parler. Je préfère éviter cela.

La musique vous a-t-elle rendu riche ?

La musique m’a permis de me découvrir. Je remercie Dieu pour ce don. Grâce à elle, j’ai compris que je pouvais aider mon peuple.

Quel message adressez-vous aux jeunes musiciens africains ?

L’Afrique traverse une crise culturelle. En musique, nous avons un rôle et un devoir à jouer. Nous devons renforcer la culture de notre peuple.

Pourquoi pensez-vous qu’il y a un problème culturel en Afrique australe ?

Regardez la télévision : les modèles viennent surtout des États-Unis et d’Europe. C’est bien dans une certaine mesure, mais nous devons aussi valoriser notre propre culture. Aujourd’hui, beaucoup d’artistes ouest-africains sont mis en avant, mais combien d’artistes sud-africains sont réellement visibles à l’international ?

Le point positif, c’est que vous êtes toujours là et que vous savez ce que vous avez à faire.

Jimmy Dludlu : Je ne peux pas y arriver seul. Dans cette partie du monde, nous n’importons pas, nous exportons.

INTERVIEW RÉALISÉE PAR S.U. 

RETRANSCRIPTION : e-burnjazz

photo:dr

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